Acogemos a varias compañías para llevar a cabo una serie de acciones que faciliten su crecimiento. El objetivo es favorecer un trabajo sin presión, flexible y con el compromiso de ofrecer las herramientas necesarias para dar el paso hacia la profesionalización.
Durante los años de residencia, la compañía tendrá un acompañamiento que le permitirá abrir puertas a los circuitos internacionales. También podrá generar una relación directa con los proyectos de territorio que desarrollamos, así como crear sinergias con otras compañías y colectivos, tanto locales como de todo el mundo. Las compañías coinciden entre ellas, con lo que conviven unas compañías con las otras.
Queremos trabajar sin presión, desde la flexibilidad en el proceso, desde el compromiso con las compañías para ayudarlas y proporcionarles las herramientas necesarias para dar un paso hacia la profesionalización, y conseguir, así, la estabilidad necesaria para llevar a cabo su trabajo.
Metodología
Mediante la convocatoria pública, las compañías seleccionadas pasarán a formar parte del ecosistema Nau Ivanow, y serán consideradas compañías residentes.
Dotación
Si por otra parte, quieres hacer uso puntual de nuestros espacios para un proceso creativo profesional, envíanos la solicitud a través de este formulario.
Llum de Fideu empieza a gestarse en 2018, dentro de los estudios de interpretación del Institut del teatre de Barcelona, donde Anna y Marc presentan algunos trabajos en común y sienten que comparten una manera cercana de ver y vivir lo que les rodea.
Nos gusta pensar que hacemos teatro translúcido, pero no revelar lo que significa.
El objetivo, deseo y motor de la compañía está vinculada a los proyectos de creación, atravesados siempre por un imaginario visual y la búsqueda de una poética propia, intentando unir dos mundos quizás demasiado separados como el del teatro de calle y el de sala.
En el ámbito profesional, se dan a conocer a raíz de su participación en el programa “Embrions 2021” del Festival de Creación Contemporánea Escena Poblenou, con la presentación de un primer extracto de Sfumato (ensayando por la caída de los contornos).
Sfumato significa un gran paso por la compañía y muchos descubrimientos. Principalmente el enamoramiento absoluto por el teatro de calle, y el choque que significa esto para una compañía que pone el foco en una escritura de trazo fino y la dramaturgia visual. Sin duda este choque nos parece interesante y nos abre un camino de exploración en el que estamos ahora mismo embarrados de pies a cabeza.
Sobre Marc podemos decir que conmueve cuando se mueve. También podemos explicar que, una vez, a pesar de tener mucho vértigo, subió a una escalera muy poco fiable de más de 8 metros para sacar una paloma atrapada dentro de una red. Cuando la liberó, Marc dijo “vuela bonita!” y lo primero que hizo la paloma fue aterrizar en un tejado y empezar a copular. Otra de sus grandes hazañas ha sido decir ante toda una sala de programadores y posibles coproductores: “¿Qué necesitamos como compañía ahora mismo? Bueno, en la calle hace frío, así que supongo que bufandas, algún termo…”. Todo el mundo se rió, perdimos el turno de palabra, no recibimos ninguna ayuda económica para la pieza y tampoco ninguna bufanda.
Sobre Anna, que tiene ideas a la velocidad de la luz, y alguna de buena. Su deseo más fuerte sería poder inventar una impresora mental o pulsarse la nariz y que al abrir la boca se proyectase lo que ha imaginado. Por el momento intenta transmitir las imágenes e intuiciones a través de la escritura o enviándose audios a sí misma que después nunca tiene tiempo de escuchar. Es capaz de estar presente y sonriendo en reuniones donde no entiende nada por el idioma y que todo el mundo piense que lo entiende perfectamente. Se inventa cosas que luego la gente cree. Siempre lleva piedras en los bolsillos porque de pequeña un día salió volando y no volvió nunca más.
Actualmente la compañía somos Ana Claramonte, Marc Guillén y, más recientemente, Roser Casamayor (retrato en construcción).
P0RN0T0PIAcollective se propone como una colectiva abierta de acción directa a través de la performance, desarrollo discursivo y político y elaboración colectiva del deseo-malestar para cuerpxs disidentes.
La colectiva nace de un encuentro para investigr sobre la creación de una instalación efímera y una propuesta corporal que ponga en funcionamiento un espacio que permita habitar otras dinámicas de relación entre los cuerpos, inspirado en el concepto de «pornotopía» propuesto por Paul B. Preciado,
En 2021, iniciamos una exploración teórica sobre la figura de la gogó y las relaciones con el lugar desde el que se mira a la travesti, así como la especificidad de las violencias que recibe y las estrategias colectivas para ejercer su deseo.
Seguimos investigando estrategias de apertura en los procesos de colectivización con el ferviente objetivo de nutrir y fortalecer las redes disidentes de los contextos con los que dialogamos.
Web: pornotopiacollective.com
IG: por.notopiacollective
Mail: pornotopialab@gmail.com
Urati laboratori es un espacio de creación con la voluntad de explorar “en tiempo real” el choque entre el mundo virtual y el mundo corporal. Este fenómeno es sin duda el motor principal de la investigación tanto artística como teórica que afronta la compañía en todos sus proyectos, partiendo de la idea conceptual de que en el tiempo presente nos enfrentamos a la desintegración de la materialidad en todos sus ámbitos (corporales , tecnológicos y sociales). Esta realidad inherente es la que nos lleva a trabajar en nuestras investigaciones en la búsqueda de nuevos lenguajes haciendo uso de artefactos tecnológicos -tales como la realidad virtual, el uso de tecnologías de computación, o el
desarrollo de software libre-, todo con la intención de apropiarnos de la tecnología desarrollada por los poderes económicos y ponerla al servicio de todos, una ética hacker aplicada a la escena que persigue el reagrupamiento de las nuevas comunidades aparecidas y aparecer en el siglo XXI. Buscamos generar habitados, espacios de memoria viva, donde sus habitantes puedan pasear sin temporalidades ni recorridos establecidos, sumergiéndose en archivos mutantes tan sólo regidos por la ley de la anarquía.
En la actualidad, y después de una serie de trabajos que investigaban más desde el terreno de la abstracción, queremos profundizar en la dimensión política del hecho artístico, con propuestas que busquen entender cómo podemos utilizar el arte como una herramienta política y cooperativa. Hemos iniciado un ciclo titulado “Resistencia poética / Violencia poética”, cuyo objetivo es analizar cuáles son las dinámicas teatrales presentes tanto en las formas de protesta popular como de la represión institucional. Dentro del Despertalab, trabajaremos en el proyecto “Llamarán las piedras”, que busca profundizar en las barricadas como un dispositivo escénico, entender su papel como la escenografía del teatro que se convierte en la ciudad cuando el orden se subvierte.
Urati laboratorio somos Marta Lofi, Sergio Camacho, Albert Chamorro y Roser Casamayor.
AMAGA es un cóctel de personas con experiencias diferentes y motivaciones comunes: insectos, mito, rito, metalografía, naturaleza, internet, Railroad Tycoon™, estética, 4HBD, prehistoria y YouTube. No somos ni promoción de nada, ni amigos de toda la vida, hace 3 años no sabíamos nuestros apellidos. Indagamos en lenguajes que no conocemos sin ceñirnos a ninguna disciplina, mezclamos cosas, nos equivocamos, y, en definitiva, tiramos más de la intuición que del conocimiento. Pensamos en el arte como espacio de intercambio sin certezas, y es en esta incertidumbre donde nos sentimos más cómodos.
En 2022 presentamos nuestra ópera primo Lo que hay después del domingo (Teatro del Matadero de Lleida, Sala Beckett de Barcelona). En paralelo, y hasta el día de hoy, iniciamos un proceso de investigación en torno al horror, el error y el terror en los paisajes físicos y las ceremonias virtuales.
(Rita Capella i Margarit, Quim Palmada Belda y Eduard Olesti)
fuego pelo llamar raíces fusil gatos alcohol pistola guerra de clases error elegancia resistencia oscuridad aria ópera mirlo apertura infancia primavera estanco clavel máscara bomba rompe de amanecer mito florecer belleza palomas violencia sonrisa coche sacrificar accidente tabaco performance estanque humo cuerda acadá tinta armonía volar por los aires vómito agua gas aristocracia atávico metáfora suspiro lana irlanda nieve correr romanov bar rosa de perro flash música árbol escupir chillar tragedia bosque trabajo rosa de fuego troncos diva cielo fábrica café descalzo soledad estraño metamorfosis romper taconear desnudez camarada tonelada muerte blanco negro círculo fantasma naranja carne inclinación gasolinera terminar exorcizar rabia deambular caer bilis mierda túnel
Ça marche es una compañía de artes escénicas fundada en 2015 y asentada en Barcelona. Su núcleo está formado por Nico Jongen y Laura Viñals. Nuestro objetivo es desarrollar proyectos de creación que partan del necesario diálogo entre el teatro, la performance, el movimiento y las artes visuales. Encontrar una forma propia que hable de nuestra contemporaneidad, lidiando con sus contradicciones irreconciliables y sus derivas. En nuestros proyectos revisamos la relación entre artesanía y técnica, ready-mades y materiales opuestos. Piezas que reflexionan, por un lado, alrededor del marco de la infancia y sus contradicciones y, por otro lado, alrededor del potencial político subversivo que le es propio al cuerpo no profesional. Pensamos que solamente reconociendo la escritura actual de cuerpos, gestos y discursos, refiriéndolos como documentos vivos, podremos estilizarlos y enmarcarlos. Algunos de nuestros proyectos escénicos son Cantus Gestualis (2022), Los figurantes (2021) o La trilogía del hijo [Ça va (2016), Ta gueule (2017), Silence(2017)].
Desde Ça marche tenemos un fuerte interés en vincular la creación escénica de autor con el público local. Con este objetivo en mente, hemos desarrollado un tipo de trabajo de creación y actuación muy interesado en el “documento corporal”, es decir, en los cuerpos y los performers amateurs, no profesionales, que comentábamos anteriormente. Los intérpretes de nuestras piezas son, en concreto, niños y personas mayores que trabajan con los integrantes de nuestra compañía y le dan sentido a la pieza, aportando su material corporal y experiencial, la textura de cada ciudad y de cada persona. Esto reactiva los vínculos existentes entre asociaciones culturales, y refuerza la relación y visibilidad del festival o temporada donde presentamos el proyecto.
Actualmente nos encontramos en el proceso de creación de INCENDIS (estreno previsto en 2024) y en proceso de investigación de Trabajos forzados (estreno previsto en 2025).
Monte Isla lo forman Adrià Girona, Andrea Pellejero y Rut Girona, además de otros colaboradores que orbitan alrededor del proyecto.
La compañía investiga en sus piezas la idea de paisaje. A partir de este concepto ha desarrollado una serie de prácticas que tienen que ver con la coreografía inerte, es decir, todo lo que participa en la puesta en escena y no es un cuerpo humano: la técnica teatral (el sonido, la luz y la maquinaria), el espacio de representación, la escenografía y el atrezzo.
Toda esta “materia” se concibe como extremidades de un solo organismo vivo, un “gran títere”.
Esta investigación ha dado lugar a tres piezas que conforman la Trilogía sobre el paisaje: Allí donde no estamos, estrenada en el espacio Nyam nyam en el 2021 durante el ciclo Si no vols pols no vinguis a l’era; Donde empieza el bosque acaba el pueblo, estrenada al festival TNT el 2022; y Escuchas del paisaje, que se estrenó en la sala La Mutant en 2023. Estas tres partes no tienen un orden narrativo, forman parte de un mismo universo escénico, que gira
en torno de la ausencia de cuerpos humanos, espacios que han sido abandonados por la civilización. En estos lugares vacíos de relato, Monte Isla pone en juego un tiempo contemplativo, invitándonos a mirar un paisaje escénico. El punto de vista del espectador articula estos dispositivos teatrales donde la mirada está en el centro de la experiencia.
¿Dónde estamos y desde dónde lo miramos?
La compañía está establecida en Can Donzella, un proyecto cultural situado en la localidad de Sils. En 2023, son cofundadores del festival Això al poble no li agradarà, junto con diversas estructuras culturales y compañías de la provincia de Girona. Este festival pretende generar un tejido local alrededor de las artes vivas y las prácticas
contextuales y performativas.
Monte Isla forma parte del proyecto de la Nau Ivanow, una fábrica de creación donde es compañía residente desde 2021. Durante su trayectoria ha colaborado con otras estructuras de creación como Workspace Brussels (Bélgica), Teatro Puerto (Chile), l’Abri (Suiza), L’Estruch, Festival Sâlmon, El Canal de Salt, Espai Nyam nyam o Konvent.0.
L△ST (LaSantísimaTrinidad) es un estudio de creación escénica, una especie de laboratorium del hecho escénico. Nuestros proyectos tienen como punto de partida una inquietud, una intuición o una manía … y la fe hace el resto.
El estudio se abandona a una clara voluntad poética que se contrapone a un discurso político de batalla, la mezcla de realidad y ficción en escena, y la constante experimentación con materiales y códigos no teatrales. La voluntad de explorar en otros lenguajes (teatrales, artísticos, musicales, cinematográficos …) y formatos responde, por un lado, en busca de una evolución del lenguaje escénico y, por otra, al convencimiento de que a veces es necesario sacudir y desinstalar al público ya nosotros mismos del espacio de complacencia que ocupa cuando su en sus butacas -ells- o cuando hacemos lo que sabemos hacer -nosotros-. Su primer proyecto conjunto, TIRANAS BANDERAS II, gana la beca DespertaLab 2.020.
Fundación Mis Bragas es una alianza que hacemos dos mujeres. Desde la intimidad de nuestros cuerpos imaginamos que en el centro del discurso, con el que hay que alinearse para encajar en esta sociedad, no existe el paradigmático hombre blanco burgués cis heterosexual, sino nosotras mismas. Nos imaginamos que no somos el “Otro”. Deseamos atender la elocuencia de estos cuerpos, comprometidas con ellos en un sincero ejercicio de empleo; de ocupación del espacio desde estos cuerpos y no de otros.
Sobre la experiencia de estos cuerpos, y no de otros, construimos los discursos, desde una experiencia cíclica y sangrienta. Desde allí, y no desde otro sitio, articulamos nuestros relatos e imaginamos por un momento que la alteridad no somos nosotras. Acogemos esta experiencia legitimándola y ocupando el espacio escénico y extraescénico desde una perspectiva concreta, una mirada que se despliega desde la posición que habitamos en el mapa de la contemporaneidad.
Las Bragas somos Andrea Marinel-lo y Gaia Bautista y estamos felices de que nuestro primer proyecto como compañía, Bitch, forme parte del ciclo DespertaLab20.
Hermanas Picohueso somos Lluki, Diego, Gal·la y todas las personas que siempre nos ayudan. Estamos diseminadas por el Mediterráneo.
Trabajamos juntas porque nos entendemos y nos gusta poner en común nuestros puntos de vista. Sumamos personas a nuestros procesos de creación porque creemos que el mundo está lleno de mentes con ideas brillantes. Nuestras influencias son escénicas, literarias, cinematográficas, fotográficas, YouTube, las historias de nuestras abuelas y experiencias propias.
Trabajamos en otros proyectos porque tenemos hiperactividad y dispersión. Esto hace que nunca nos cansemos de nuestros encuentros y lleguemos con la cabeza llena de ideas que queremos compartir.
Nos gusta el riesgo y nunca ponemos límites a nuestras posibilidades. Apuntamos alto y no siempre llegamos. Somos amantes de la tecnología, probamos e incorporamos todo lo que pueda servirnos para experimentar con nuevas maneras de contar las cosas. Sin ningún tipo de filtro previo.
Otras características que nos identifican:
1. Sufrimos un síndrome de Diógenes colectivo e individual que nos permite contar siempre con todo tipo de materiales y artefactos que también reutilizamos. Creemos que Marie Kondo no se dedica al teatro.
2. Nuestro cerebro es totalmente nocturno. Las 9 de la mañana para nosotros es la madrugada.
3. Somos unos “modernos” y nunca lo admitiremos.
LA REINA ALCALDE nace en 2016 con Néstor Reina, estilista de moda, e Irene Vicente, directora y dramaturga. Presentan su primer espectáculo, Autònoma, en el que se trata el tema de la precarización en las artes escénicas y la escena emergente, bajo los auspicios de Can Felipa, estrenado allí y posteriormente presentado en el Antic Teatre.
En el siguiente espectáculo, Unheimlich, Irene Vicente dirige a cuatro actrices: Gal·la Sabaté, Rut Girona, Núria Corominas y Belén Bouso. Recibe el apoyo de Escena Poblenou (Embrions), la beca Kinetics del Centre Cívic Parc Sandaru y la beca DespertaLab de la Nau Ivanow y Sala Atrium. Se ha representado en Vic, Festival TNT, Sala Atrium, Casa Elizalde y Antic Teatre. Es en este momento cuando Gal·la Sabaté se incorpora como miembro del equipo directivo y gestor de la compañía.
Actualmente, preparan Ellas comen, un espectáculo de creación colectiva con Irene Vicente, Carmen Salinas (dramaturga), Gal·la Sabaté (actriz) y Carlota Grau (performer) con el apoyo de la Nau Ivanow y el Festival Internacional TeatroPuerto (Chile).
VVAA es un colectivo artístico formado hace dos años por varios amigos de diferentes disciplinas artísticas. Surgió de necesidades como la de unificar bajo el mismo umbral los proyectos generados, compartir energía y recorrido i dar ruta a proyectos futuros; pero también para poner un título al acto de crear, aprender y crecer conjuntamente.
Buscamos generar contenido artístico a través de la experimentación en cuanto a formato, concepto, espacio, tiempo, luz, sonido…
El funcionamiento de VVAA no es el de una compañía de teatro convencional. La producción artística no se limita exclusivamente al formato teatral convencional. Sus miembros -son unos 20- también producen música, películas, videoclips y algún algoritmo. Cada proyecto es creado por un equipo de miembros de VVAA distinto, con roles que varían de un proyecto a otro. VVAA no sigue una metodología concreta, para cada proyecto se genera una metodología propia y adaptada a las necesidades de este mismo. Aún así, se pueden señalar algunas características propias del colectivo que se han ido definiendo a lo largo de nuestra trayectoria, como por ejemplo:
Buscamos y trabajamos con referentes y colaboradores que provengan de disciplinas ajenas al ámbito teatral convencional. Creamos narrativas a través de los elementos técnicos como espacio, música y vestuario, yuxtapuestas a la narrativa interpretativa (no solo la acompañan, sino que también tienen una narrativa propia).
Seguimos un proceso de creación colectiva y no jerárquica.
Nos interesa intentar redefinir la experiencia teatral, experimentando con otros tipos de lenguaje, jugando con los límites de la ficción.
Estructuramos el proceso de creación a través de reuniones / ensayos donde se trabajan diversos conceptos y se prueban varias propuestas de contenido o de forma.
La misión de Los Escultores del Aire es compartir su propia forma de entender el arte a través de sus espectáculos y talleres, con el deseo de emocionar y hacer vibrar el corazón de las personas a través del lenguaje universal del movimiento.
Su trabajo se basa en el mestizaje de diferentes artes escénicas. Sus obras han sido representadas y premiadas en España, Reino Unido, Portugal, Estados Unidos, Alemania, Macedonia, Marruecos, Italia, Andorra, Colombia, Polonia, Suecia, Puerto Rico y Costa Rica. Cada cuerpo tiene historias que contar, Los Escultores del Aire propone un espacio de encuentro e intercambio que vive y respira entre el intérprete y el espectador.
Los valores base de la compañía son: profesionalidad, constancia, identidad.
Su proyecto artístico y pedagógico ha conseguido un reconocimiento internacional público y privado que avala su andar con pasos certeros gracias a sus integrantes altamente cualificados.
Los Escultores del Aire es un colectivo que ramifica sus actividades en creación de espectáculos, talleres de formación y generador de eventos especiales. También se abre camino en el mundo online a través de sus talleres de formación, tendiendo puentes internacionales en donde las fronteras físicas dificultan un contacto real con nuestra comunidad.
Mai Rojas y Raffaella Crapio (directores artísticos de Los Escultores del Aire), son generadores infatigables de productos con un valor y una visión definida que identifican a la compañía. Trabajando en equipo con sus socios Esteban Siles y Carolina Blanco, ponen en marcha una estrategia clara, segura y firme con el objetivo de ser un punto de referencia no solo por su valía y originalidad sino por su innovador proyecto de emprendeduría empresarial.
Fundación Agrupación Colectiva crea piezas originales basadas en la creación colectiva a partir de las singularidades / habilidades / personalidad / ignorancia / de cada miembro del grupo. En sus proyectos, exploran desde la contemporaneidad de las artes vivas, como la estructura social y política y el “fucking capitalism”. Fue la compañía ganadora del primer ciclo internacional DespertaLab. Con la pieza My low cost revolution en la Sala Atrium fue nominada a los Premios de la Crítica. Han hecho colaboraciones y coproducciones con el Festival Temporada Alta, Escena Abierta de Burgos, Fira Tàrrega, Sala Hiroshima o Festival TNT.
Projecte Ingenu nacía en 2013 en la Nau Ivanow como un grupo de entrenamiento y de investigación actoral regular que había detectado la necesidad de impedir que sólo el “mercado” gobernara sus carreras artísticas. Ahora se ha convertido en un grupo de investigación práctica sobre el hecho teatral, con la voluntad de compaginar el trabajo profesional con la evolución personal y la investigación permanente de un modelo posible de intérprete contemporáneo. Es un grupo de trabajo e investigación sobre el hecho actoral y la teatralidad.
Aplican la filosofía del movimiento Slow en sus montajes: la escena se desnuda y el intérprete se convierte en el centro de la pieza. El teatro es la relación entre el intérprete y el público, mano a mano, en cada palabra o en cada respiración. Poco a poco necesitaron materializar en espectáculos sus dinámicas de trabajo intentando no perder la esencia que les había movido inicialmente y que se extendía más allá del concepto “espectáculos”. Así, pues, iniciaron la producción slow de espectáculos manteniéndose al margen del tiempo estándar de producción.
El día a día de Projecte Ingenu ha ido diversificando en tres grandes ámbitos o líneas de trabajo: entrenamiento e investigación (Escena Germinal), espectáculos y teatro fuera del teatro.
Han exhibido los espectáculos Hamlet (2014/2019), Top Girls (2015), Romeu i Julieta (2016), Yerma (2017), Fui Próspero (2018, ganadora del premio BBVA teatro el 2020), InFaust (2018), La dona pantera (2019), La ruta de la palta (2020), Bodas de Sangre o el funeral que el Poeta no tuvo (2021).
